viernes, 26 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, 36 FORO INTERNACIONAL - CINETECA NACIONAL, PAZ PARA NOSOTROS EN NUESTROS SUEÑOS


PAZ PARA NOSOTROS EN NUESTROS SUEÑOS
Viernes 26 | Auditorio Euquerio Guerrero | 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.
Taquilla: general, $30.00; comunidad universitaria e INAPAM, $20.00

Bono 7 películas: general, $140.00; comunidad universitaria e INAPAM, $90.00
Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Ramybė Mūsų Sapnuose, Lituania-Francia-Rusia, 2015, 107 min. 
D y G: Sharunas Bartas. F en C: Eitvydas Doškus. M: Alexander Zekke. E: Gintarė Sokelytė. Con: Sharunas Bartas (el padre), Lora Kmieliauskaitė (la violinista), Ina Marija Bartaitė (la chica), Eugenijus Barunovas (el vecino), Aushra Eitmontienė (la vecina), Edvinas Goldsteinas (el chico), Klavdija Koršunova (mujer rusa). CP: KinoElektron, Studija Kinema, Look Film. Prod: Jurga Dikčiuvienė. PC: Cineteca Nacional. 
Un hombre, su actual pareja y su hija adolescente llegan a una casa de campo para pasar el fin de semana. En un intento por reanudar una vida en estado de letargo debido a una reciente pérdida, cada uno de ellos pasará el tiempo reflexionando sobre sus propias incertidumbres. Protagonizada por el director Sharunas Bartas y su hija, la película está compuesta por extensos actos donde los diálogos muchas veces se transforman en monólogos sin respuesta. En un estilo introspectivo que recuerda al cine de Tarkovski, Bartas utiliza la belleza de la naturaleza como punto de inflexión ante el dolor y la incomunicación que se extienden por toda la cinta.

Festivales
2015 Quincena de los Realizadores. Festival de Cine de Cannes. Francia. │Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine de Estambul. Turquía.

Sharunas Bartas
Šiauliai, Lituania, 1964
Director, actor y productor, Bartas es una figura clave del cine lituano. Estudió en el Instituto Estatal de Cinematografía de Moscú (VGIK), del que se graduó en 1991. En 1989 fundó el Estudio Kinema, el primer estudio independiente en Lituania. Desde sus primeras películas, cuenta con un verdadero éxito de la crítica.

Filmografía representativa
1986 Tofolaria, cortometraje
1990 Praejusios dienos atminimui, cortometraje
1991 Trys dienos
1995 Koridorius
1996 Mūsų nedaug
1997 Namai
2000 Laisvė
2005 Septyni nematomi žmonės
2010 Eurazijos aborigenas
2015 Ramybė Mūsų Sapnuose (Paz para nosotros en nuestros sueños)

Como sucede con la mayoría de los artistas introspectivos, habitados a representar universos propios, el realizador lituano Sharunas Bartas crea a partir de la experiencia personal. Desde que debutase en la ficción con Trys dienos (1991), su filmografía presenta una colección de seres errantes en busca de una tregua a sus conflictos internos. La obstinación por elaborar un cine de comunicación esquiva y personajes anímicamente desorientados le conducía a menudo a una desesperanza asfixiante. Paz para nosotros en nuestros sueños, su primer trabajo realizado en digital, es probablemente el más equilibrado de su carrera. […] Se trata nuevamente de un filme marcadamente autobiográfico, la respuesta del director al fallecimiento en 2011 de la que fue su pareja, [la actriz] Yekaterina Golubeva […].
Interpretada por él mismo, por su nueva compañera y por la hija que tuvo junto con Golubeva, la película toma la forma de una pieza de cámara compuesta por extensos actos en los que la palabra surge finalmente como un elemento liberador. Una mujer, un hombre y la hija de éste se desplazan hasta una casa de verano para pasar un fin de semana reflexionando sobre sus incertidumbres.  El inmenso lago y el bosque que rodean la residencia sirven como contrapuntos esplendorosos y serenos al torrente sentimental que experimentan las dos mujeres. La soledad, el trauma de la pérdida del ser querido y la imposibilidad de ordenar las prioridades vitales son los conflictos expuestos por Bartas. Hasta llegar a la conciliación los personajes pasan por sucesivos enfrentamientos con su entorno y consigo mismos. Se trata de un proceso doloroso, cercano a la redención, que el director expone sin gestos trascendentes ni espirituales, sino mediante impulsos viscerales, acciones cargadas de violencia […]. 
Con Paz para nosotros en nuestros sueños Bartas ha alcanzado la madurez creativa al articular con palabras el trance de las almas desgarradas. 
Fragmentos de un texto de Javier H. Estrada 
Caimán Cuadernos de Cine, no. 29
Madrid, mayo, 2016

OSUG, PROGRAMA 03, SEGUNDA TEMPORADA, 2016

PROGRAMA 03 
Viernes 26 de agosto / Teatro Principal / 20:30 hrs. / Guanajuato 
Charla pre-concierto (entrada libre) / 19:30 hrs. / Teatro Principal

Juan Carlos LOMÓNACO director invitado
Roland SZENTPALI tuba

1.- Pelleas et Mellisande (Suite)  Gabriel FAURÉ
2.- Fantasía Carmen, para tuba y orq.   BIZET-SZENTPALI
3.- Sinfonía no. 2 "Roma"  Georges BIZET

jueves, 25 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, 36 FORO INTERNACIONAL - CINETECA NACIONAL, CEMENTERIO DE ESPLENDOR

CEMENTERIO DE ESPLENDOR
Jueves 25 | Auditorio Euquerio Guerrero | 17:00, 19:15 y 21:30 hrs.
Taquilla: general, $30.00; comunidad universitaria e INAPAM, $20.00

Bono 7 películas: general, $140.00; comunidad universitaria e INAPAM, $90.00
Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Rak ti Khon Kaen, Tailandia-Reino Unido-Francia-Alemania-Malasia, 2015, 122 min.
D y G: Apichatpong Weerasethakul. F en C: Diego García. E: Lee Chatametikool. Con: Jenjira Pongpas Widner (Jen), Banlop Lomnoi (Itt), Jarinpattra Rueangram (Keng), Petcharat Chaiburi (enfermera Tet), Tawatchai Buawat (instructor de meditación), Sakda Kaewbuadee (Tong). CP: Kick the Machine Films, Illuminations Films, Anna Sanders Films, Match Factory Productions, Geißendörfer Film-und Fernsehproduktion, ZDF/arte. Prod: Apichatpong Weerasethakul, Keith Griffiths, Simon Field, Charles de Meaux, Michael Weber y Hans Geißendörfer. Dist: ND Mantarraya.
Jen, una solitaria ama de casa, se ofrece como voluntaria en un improvisado hospital instalado dentro de una escuela abandonada, a donde llegan varios soldados con un misterioso trastorno de sueño. Ahí conoce al joven Itt, cuya presencia podría tener una conexión entre el enigmático síndrome de la milicia y el sitio mítico donde se ubica el nosocomio. El más reciente largometraje de Apichatpong Weerasethakul plasma un sugerente mundo onírico donde las alucinaciones y sueños integran un entorno efímero muy parecido a una sesión hipnótica; allí, la protagonista navega frente a una elegía política sobre el golpe de estado suscitado en Tailandia en 2014.

Premios y festivales
2015 Premio a la Mejor Película. Premios de Cine de Asia Pacífico. Australia. │Selección oficial de la sección Una Cierta Mirada. Festival de Cannes. Francia. │Selección oficial de la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges. España. │Selección oficial de la sección Masters. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Selección oficial de la sección Panorama. Festival Internacional de Cine de Mar de Plata. Argentina. 

Apichatpong Weerasethakul
Khon Kaen, Tailandia, 1970
Artista visual y cineasta, comenzó a realizar cortometrajes en 1994. Fundó en 1999 su compañía productora, Machine Films. Ha recibido varios galardones en el Festival de Cannes, entre ellos el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y la Palma de Oro en 2010 por La leyenda del tío Boonmee.
¿Qué observa Jen en el plano final de Cementerio de esplendor? La mirada de ella podría dirigirse tanto al pasado como al presente, a lo que sus ojos de verdad pueden ver o a lo que su mente pueda imaginar. Algo que podría estar enterrado bajo la superficie de los terrenos del improvisado hospital y sus alrededores: un cementerio, un palacio. Weerasethakul juega en todo momento con esta ambigüedad en la que resulta ser su película más apegada a lo cotidiano, sin fantasmas ni personas que se convierten en tigres o monos. 
No obstante, lo que cuenta Cementerio de esplendor no está en la superficie de sus imágenes, sino en lo que éstas ocultan. En los sueños donde se debaten los soldados frente a lo que existe bajo el subsuelo del hospital. Es una película sobre los recuerdos, sobre la memoria de Khon Kaen, la ciudad natal del cineasta. La pregunta planteada es hasta qué punto esos recuerdos pueden devenir en algo inquietante, si es que queremos mirar o retomar nuestras viejas pesadillas y hasta dónde nos atrevemos a confrontarlas con el presente.
El humor va impregnando el relato; en especial, en los soldados que tan pronto despiertan caen dormidos en los momentos más inesperados. Pero al mismo tiempo el clima se hace raro, como si algún peligro amenazara la paz del hospital. Lo que nos traslada al otro lado son las luces, vigías atenuantes del sueño de los soldados y sus pesadillas, como si su efecto se quisiera prolongar más allá del hospital, a toda Tailandia. El director ha insistido en el componente político de esta película, como una reacción al golpe de estado de 2014. Cementerio de esplendor «expresa esos sentimientos de estar fuera de la realidad, en una fase donde se ignora estar dormido o despierto». Un sentimiento de vacío, de mirar a tu país y no reconocerte en lo visto, algo que define perfectamente la propia Jen: «en el corazón del reino, aparte de los campos de arroz, no hay nada más». 
Fragmentos de un texto de Jaime Pena
Caimán Cuadernos de Cine, Núm. 48
Madrid, abril de 2016

miércoles, 24 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, 36 FORO INTERNACIONAL - CINETECA NACIONAL, MATAR A UN HOMBRE

MATAR A UN HOMBRE
Miércoles 24 | Auditorio Euquerio Guerrero | 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.
Taquilla: general, $30.00; comunidad universitaria e INAPAM, $20.00
Bono 7 películas: general, $140.00; comunidad universitaria e INAPAM, $90.00
Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Chile-Francia, 2014, 82 min. 
D y G: Alejandro Fernández Almendras. F en C: Inti Briones. M: Pablo Vergara. E: Alejandro Fernández Almendras y Soledad Salfate. Con: Daniel Candia (Jorge), Daniel Antivilo (Kalule), Alejandra Yáñez (Marta), Ariel Mateluna (Jorgito), Jennifer Salas (Nicole), Don Willie (Daniel), Paula Leoncini (fiscal). CP: Arizona Films, El Remanso. Prod: Eduardo Villalobos y Guillaume De Saille. PC: Cineteca Nacional.
Después de ser asaltado por un conocido delincuente del barrio y de que su hijo fuera herido por el mismo hombre, Jorge, un padre de familia común y corriente, se enfrentará al dilema de hacer justicia por su cuenta o permanecer sumido en el miedo ante la escasa respuesta de las autoridades. Inspirado en un caso real, el director Alejandro Almendras consigue en Matar a un hombre colocar al espectador como testigo distante de un crimen, sin ninguna posibilidad de simpatizar con los hechos ni con los personajes, simplemente observándolos. Más allá de un thriller de venganza, la cinta plantea una situación moralmente incómoda que cuestiona los prejuicios y justificaciones del espectador ante un crimen.
2014 Gran Premio del Jurado, categoría World Cinema Dramatic. Festival de Cine de Sundance. Park City, Estados Unidos.│Premio KNF (Dutch Circle of Film Critics). Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos. │Premio al Mejor Actor. Festival Internacional de Cine de Países de Asia-Pacífico. Vladivostok, Rusia. │Future Cinema Critics Award. Festival Internacional de Cine de Miami. Estados Unidos. │Gran Premio de Largometraje Ciudad de Lisboa. Festival Internacional de Cine Independiente de Lisboa (IndieLisboa). Portugal. │Gran Premio del Jurado y Premio Don Quijote. Festival Internacional de Cine de Friburgo. Baden-Wurtemberg. Alemania.
Creo que el personaje de Jorge fue forzado a cometer el crimen en vez de ser algo que existiera de forma natural en él. Lo peligroso de un crimen es que a veces es justificado cuando es visto como la única solución posible. […] La película pretende colocar al espectador en una situación que es moralmente incómoda. Si uno defiende al protagonista, que es lo que hace la primera parte de la película, terminas por justificar un crimen terrible en la segunda mitad. […] Moralmente, muchos lo hacen. Piensan algo como, «¿qué más se podía hacer? Él no tenía opción». Es interesante explorar en ello y hacer que el público se enfrente a ambos lados de la moneda. 
Alejandro Fernández Almendras

Alejandro Fernández Almendras
Chillán, Chile, 1971
Licenciado en Comunicación Social por la Universidad de Chile. Luego de egresar gana una beca para estudiar en Nueva York y allí consigue trabajo en la Agencia EFE. Desde 2003 ha dirigido varios cortos que le han dado la vuelta al circuito internacional, y en 2009 realizó Huacho, su primer largometraje. 

Filmografía
2006 Desde lejos, cortometraje
2007 Lo que trae la lluvia, cortometraje
2009 Huacho
2011 Sentados frente al fuego
2014 Matar a un hombre
2016 Aquí no pasa nada

Las películas chilenas que triunfan en los festivales suelen responder a un cariz observacional –una convicción realista de planos largos y tramas mínimas–, al tiempo que plantean llamativos juegos formales: la mano del cineasta detrás de la cámara es plenamente visible. Matar a un hombre encaja a la perfección en dicho modelo. En su primera película, Huacho, el director y guionista Alejandro Fernández Almendras había llevado al límite la idea de la transparencia realista, inventando una ficción con apariencia de documental sobre la cotidianeidad de cuatro miembros de una familia que subsistía en los márgenes del Chile semirural. En Huacho, las tensiones de clase, la batalla social, quedaban agazapadas tras el sutil fluir de lo real. Matar a un hombre plantea un giro interesante, situando el malestar de la ciudadanía en el primer plano del relato y llevando la forma del filme hacia un formalismo que bascula entre la apagada crudeza de la vida urbana y la exuberancia de una naturaleza que, en cualquier caso, dista mucho de ser un paraíso idílico –en este punto, la cinta propone un nexo con el cine del ruso Andréi Tarkovski. La película, que en un primer momento juega a esconder sus resortes narrativos, estalla de la mano de varios disparos de revólver que ponen en movimiento una escabrosa cadena de crímenes, castigos y el horizonte de una redención; una truculenta historia basada en hechos reales. Por el camino, mediante un distanciamiento escénico que remite con fuerza al cine de Michael Haneke (encuadres fijos, mirada gélida, análisis inclemente), Matar a un hombre compone un descorazonador retrato social, presentando un mundo dominado por la impunidad criminal y la corrupción moral. Que en una escena ambientada en una comisaría de policía, Fernández Almendras se preocupe en dejar bien visible el retrato de Sebastián Piñera, presidente de Chile entre 2010 y 2014, certifica la idea de que estamos ante un filme que aspira a retratar una enfermedad social.
Fragmentos de un texto de Manu Yánez
Otros Cines Europa
España, 29 de marzo de 2016

martes, 23 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, 36 FORO INTERNACIONAL - CINETECA NACIONAL, LIFE

LIFE
Martes 23 | Auditorio Euquerio Guerrero | 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.
Taquilla: general, $30.00; comunidad universitaria e INAPAM, $20.00

Bono 7 películas: general, $140.00; comunidad universitaria e INAPAM, $90.00
Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Canadá-Reino Unido-Estados Unidos-Alemania-Australia, 2015, 110 min.
D: Anton Corbijn. G: Luke Davies. F en C: Charlotte Bruus Christensen. M: Owen Pallett. E: Nick Fenton. Con: Robert Pattinson (Dennis Stock), Dane DeHaan (James Dean), Joel Edgerton (John Morris), Ben Kingsley (Jack Warner), Alessandra Mastronardi (Pier Angeli), Stella Schnabel (Norma). CP: See-Saw Films, Barry Films, First Generation Films, Telefilm Canada, Film4 Screen Australia. Prod: Christina Piovesan, Iain Canning y Emile Sherman. Dist: Alfhaville Cinema.
Hollywood, 1955. Durante una fiesta en casa del cineasta Nicholas Ray, el fotógrafo Dennis Stock conoce al icónico actor James Dean. Juntos emprenden una odisea existencial desde un rancho de Indiana hasta las bohemias calles de Nueva York y que culminaría con el reportaje gráfico publicado en la revista Life, donde el intérprete es retratado en una faceta íntima bajo el imaginario cinematográfico que lo encumbró como mito. Un entorno influenciado por la generación beat es el escenario donde el director y fotógrafo Anton Corbijn refleja el pulso de la nueva generación derivada de la posguerra, cuyas inquietudes se verían reflejadas en James Dean, el “rebelde sin causa” por concesión. 

Premios y festivales
2015 Proyección especial, Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. │Proyección especial. Festival de Cine de Zurich. Suiza.│ Proyección especial en la sección Homenajes. Festival Internacional de Cine de Guanajuato. México.│ Proyección especial. Festival Internacional de Cine de Tokio. Japón.

Anton Corbijn
Strijen, Países Bajos, 1955
Inició su trayectoria como fotógrafo en publicaciones como Rolling Stone para después dirigir algunos videos musicales. Debutó como realizador en 2007 con su primer largometraje Control, una biopic en torno a la figura de Ian Curtis, vocalista de la banda Joy Division. Life es su cuarta película.
En cierta medida, el mimetismo y el maquillaje pueden ayudar a un actor cuando se le pide interpretar a una de las estrellas más emblemáticas del firmamento cinematográfico. Lo importante es que el actor tenga, por sí mismo, una calidad de estrella intangible. Así resultó el éxito de la magnética interpretación de Dane DeHaan como James Dean en Life, el retrato melancólico de una leyenda en proceso dirigido por Anton Corbijn. Más que ser una biografía de celebridades estándar, la imagen diseñada por Corbijn es una atractiva referencia a su propia historia como fotógrafo y más tarde director de cine, y le otorga a Robert Pattinson un cambio en sus registros habituales al interpretar a Dennis Stock, el fotógrafo aficionado que llevó a Dean a la moderna pero clásica revista Life.
En el guión se identifica la contradicción fundamental en la personalidad “de estrella” de Dean: un chico tímido y un genuino y dotado inconformista que al final fue (y más tras su muerte) estilizado y comercializado para parecer un individuo tan salvaje e indomable como fuese posible. Tanto Dean como Stock entablan una relación basada, al parecer, en una mezcla de desconfianza y atracción mutua. Stock profesa sentirse intrigado por la «torpeza e inocencia» de Dean, que por su parte siente una gran simpatía por la cámara que lo llevará a realizar un ensayo fotográfico. 
Bajo esta línea, Life está compuesta y diseñada con especial atención al detalle; sin embargo, evita la suave y hermosa chapa de los encuadres nostálgicos que la industria fílmica hollywoodense diseñaría para una película como esta, dedicada a distintas maneras de ver la melancolía desde la perspectiva encantadora de Anton Corbjin.  
Fragmentos de un texto de Guy Lodge
Variety (variety.com)
Berlín, 9 de febrero de 2015
Trad. Paola Gámez

lunes, 22 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, 36 FORO INTERNACIONAL - CINETECA NACIONAL, TE PROMETO ANARQUÍA

TE PROMETO ANARQUÍA
Lunes 22 de agosto | Auditorio Euquerio Guerrero | 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.
Taquilla: general, $30.00; comunidad universitaria e INAPAM, $20.00

Bono 7 películas: general, $140.00; comunidad universitaria e INAPAM, $90.00
Programación sujeta a cambios sin previo aviso

México-Alemania, 2015, 88 min.
D y G: Julio Hernández Cordón. F en C: María Secco. M: Erick Bongcam y Alberto Torres. E: Lenz Claure. Con: Diego Calva Hernández (Miguel), Eduardo Martínez Peña Pelukaz (Johnny), Shvasti Calderón (Adri), Gabriel Casanova (Gabriel), Diego Escamilla (Techno), Martha Claudia Moreno (Brenda), Milkman (David). CP: Interior XIII Cine, FOPROCINE, World Cinema Fund, Rohfilm GMBH. Prod: Sandra Gómez, Maximiliano Cruz y Julio Hernández Cordón. Dist: Interior XIII. 
Los vampirescos Miguel y Johnny pasan sus días en el olvido. Amigos desde la infancia, son skaters, amantes y traficantes ilegales de sangre. Esta última actividad se convierte en su negocio principal; pero cuando una de sus transacciones se tuerce, su relación se verá interrumpida. Con uso de actores no profesionales y una estética cercana a la narrativa del videoclip que retrata a la Ciudad de México bajo un ambiente sórdido muy parecido al de los escenarios del film noir, el quinto largometraje de Julio Hernández Cordón define a sus dos protagonistas bajo la ironía juvenil, donde las patinetas y el amor se tiñen de rabia y nostalgia ante el violento mundo criminal de su trabajo.

Premios y festivales
2015 Premio Guerrero de la Prensa al Mejor Largometraje Mexicano y Mención Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Morelia. México. │Premio Coral al Mejor Guión y Mejor Actor (Diego Calva Martínez y Eduardo Martínez Peña). Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Cuba. │Premio FIPRESCI a la Mejor Película Latinoamericana. Festival Internacional de Río de Janeiro. Brasil. │Premio México Primero y Premio FIPRESCI a la Mejor Película Mexicana. Festival Internacional de Cine de Los Cabos. México. 

Julio Hernández Cordón
Carolina del Norte, Estados Unidos, 1975
Nació en Estados Unidos, pero fue criado en México, Guatemala y Costa Rica. Estudió realización cinematográfica en el CCC, y debutó como director con su cortometraje KM 31 en 2003. Su segundo largometraje, Las marimbas del infierno (2010), obtuvo diversos premios en festivales como BAFICI o Miami. 
Ellos son dos vampiros ficticios transitando en noches de rencor y reclamo. Pasan sus días en el olvido, con la intimidad de una luz neón roja dispuesta en el interior de una pipa de agua. Allí, viven ocasionales aventuras sexuales al tenor de una ingenuidad juvenil también manifestada sobre sus patinetas, en las que cruzan mercados y plazas. Miguel y Johnny son los amantes de Te prometo anarquía, el quinto largometraje de Julio Hernández Cordón, donde el motor es el retrato, crudo y sin concesiones, de dos chicos skaters cuyo negocio –el tráfico ilegal de sangre– se tuerce cuando 50 de sus “ordeñados” desaparecen en un camión custodiado por gente del narcotráfico. 
Mosaico de una generación desdeñada, la cinta muestra la fragmentación del vínculo frágil y volátil de los personajes frente al telón de una sórdida Ciudad de México, donde el lenguaje coloquial se expresa en diversas subculturas cuyos encuentros bizarros forjan la anarquía narrativa del título. «Somos una generación de enfermos. Somos nuestra propia generación. Somos nuestro propio monstruo, nuestro propio choque. Y aun así nos estamos queriendo». Estas palabras, recitadas en un rap por un joven amigo de Miguel, resumen la promesa de anarquía por parte de Hernández Cordón; su autenticidad representa el leitmotiv del dúo protagonista ante la realidad que les rodea.
El romance de estos dos cuerpos errantes al son de las patinetas se quiebra frente a la búsqueda de los “ordeñados” en manos de redes delictivas. Y el resultado se plasma como un viaje definido por la nostalgia, el remordimiento y la rabia antecedida por un fugaz triángulo amoroso, algunas tretas económicas y hasta un asesinato. La añoranza parece imprimirse sobre el compás de las ruedas en el estacionamiento, o en el recuerdo de un «te quiero» recitado en el parlante del celular. Todo ello bajo una entrañable banda sonora cuyas canciones tejen la inspiración de la cinta: la imagen nostálgica de una anarquía skate de cara a un vigente y turbio horror.  
Edgar Aldape Morales 
Cineteca Nacional

viernes, 19 de agosto de 2016

CINE CLUB, AGOSTO, SOULPOWER MUSIC & CINEMA 3, VIERNES DE CINE DE LA VIEJA ESCUELA

VIERNES DE CINE DE LA VIEJA ESCUELA
19 de agosto
Auditorio Euquerio Guerrero, 17:00, 19:00 y 21:00 horas 








17:00 horas 
TrickBaby
Estados Unidos, 1972, 89 min.
Dirección: Larry Yust. Guion: A. Neuberg, T. Raewyn, Larry Yust (Novela: Robert Beck). Música: James Bond. Fotografía: IsidoreMankofsky. Reparto: Kiel Martin, Mel Stewart, Dallas Edward Hayes, Beverly Ballard, Vernee Watson-Johnson, Donald Symington, Don Fellows, Thomas Anderson, Clebert Ford, Fuddle Bagley, Ted Lange. Productora: Universal Pictures. Género: Thriller. Clasificación: B15.
Filme de representativo de los años 70, que aborda un tiempo distintas problemáticas: las identidades y el mundo del crimen.  A menudo es considerada parte de la filmografía blaxploitation. En Philadelphia dos hombres tratan de evadir tanto a la mafia como a la policía. Uno de ellos es un Trick baby, el hijo blanco de una prostituta de color. 


19:00 horas 
Dear White People
Estados Unidos, 2014, 100 min.
Dirección y guion: Justin Simien. Música: KathrynBostic. Fotografía: TopherOsborn. Reparto: Tyler James Williams, Tessa Thompson, Teyonah Parris, Brandon Bell, Kyle Gallner, Peter Syvertsen, Brittany Curran, Justin Dobies, Marque Richardson, Malcolm Barrett, Dennis Haysbert, Brandon Alter, Kate Gaulke, Brian James, Keith Myers. Productora: Lionsgate / DulyNoted / HomegrownPictures. Género: Drama. Clasificación: B15.
La película plantea en tono satírico, un mensaje importante acerca de las relaciones entre blancos y negros en una universidad estadounidense. Fue la ganadora del premio del jurado en la edición 2014 del festival de cine independiente Sundance.


21:00 horas 
Super Fly
Estados Unidos, 1972, 93 min.
Dirección: Gordon Parks Jr. Guion: Phillip Fenty. Música: Curtis Mayfield. Fotografía: James Signorelli. Reparto: Ron O'Neal, Carl Lee, Sheila Frazier, Julius Harris, Charles McGregor, Nate Adams. Productora: Sig Shore Productions / Superfly Ltd. / Warner Bros. Pictures. Género: Acción. Clasificación: B15.
Filme de culto, representativa del pico más alto del genero blaxploitation de los años 70 en los Estados Unidos.  El filme dirigido en 1972 por Gordon Parks presenta la historia de un carismático traficante en su intento por alejarse del negocio de la droga, mediante un último, certero y espectacular negocio. La música de Curtis Mayfield es por sí misma un motivo para apreciar esta cinta emblemática.